Nuestra publicación busca reflejar el pensamiento sobre la música desde nuestra institución, el Departamento de Artes Musicales y Sonoras, que se aboca a la enseñanza, la producción, la creación y la investigación sonoras. CONVOCATORIA ABIERTA Hasta el 1° de abril de 2026, la Revista recibirá trabajos destinados a sus distintas secciones: "Artículos de investigación", "Documenta", "Espacio joven", "Investigaciones en producción creativa" y "Reseñas". La convocatoria se encuentra abierta a autores/as de cualquier afiliación institucional. Las características de cada sección, así como las directrices formales para la presentación de trabajos, pueden consultarse clickeando aquí. Los trabajos deberán enviarse directamente a la dirección revista433@una.edu.ar (no a través de la plataforma). En el cuerpo del mensaje se deberá precisar la sección de la Revista a la que esté destinado el trabajo.
Actividades del DAMus. Segundo semestre de 2021
Actividades del DAMus. Primer semestre de 2021
Actividades del DAMus. Segundo semestre de 2020
Actividades del DAMus. Primer semestre de 2020
XIII y VIII Jornadas de Investigadorxs y Becarixs del DAMus. Galería de fotos
El 27 y 28 de noviembre de 2025 tuvo lugar una nueva edición de las Jornadas de Investigadorxs y Becarixs del DAMus – UNA. Desarrolladas en la Sala García Morillo, en la sede del Departamento (Av. Córdoba 2445, CABA), y abiertas a la asistencia de toda la comunidad, contaron con la participación de los equipos de investigación radicados en nuestra unidad académica, que expusieron los resultados de su trabajo por el período 2023-2025 cubriendo una gran diversidad de temáticas y enfoques pertinentes a la investigación en artes musicales. Los Proyectos de Investigación en Arte, Ciencia y Tecnología (PIACyT) son proyectos de temática y modalidad libre, dirigidos por docentes-investigadores/as Categorizados I, II o III, cuyo lugar de trabajo es la Universidad Nacional de las Artes. Durante el período mencionado se encontraron acreditados nueve proyectos PIACyT. En esta edición de las Jornadas se sumó nuevamente la participación del Proyecto “Cuerpos sonoros: producciones, discursividades y modelos educativos desde una perspectiva de género” (Directora: Cristina Vazquez), enmarcado en el Programa de Investigación y Formación sobre Género y Artes. Asimismo, las Jornadas contaron con dos mesas reservadas a becarixs, exbecarixs e investigadorxs estudiantes pertenecientes a dichos equipos, quienes expusieron los resultados de sus investigaciones en el marco de los proyectos. Además de las exposiciones, las Jornadas incluyeron varios momentos musicales, tanto la audición de fragmentos grabados –a cargo de integrantes de los equipos– como la interpretación de dos obras en vivo. Las Jornadas se desarrollaron ambos días entre las 14 y las 17 h. Cada proyecto dispuso de 15 minutos en total para que unx o más integrantes comentasen, en nombre de todo el equipo, los resultados de la investigación. A continuación de cada exposición se reservaron 10 minutos al intercambio con el público. Agradecemos a todxs lxs expositorxs y asistentes por su participación, así como a los proyectos en su conjunto por el trabajo desarrollado a lo largo de estos años, reafirmando la importancia de la investigación en la universidad pública como espacio de pensamiento crítico, generación y circulación de conocimiento, y producción de saberes y prácticas orientados por el compromiso científico y social.
Sobre O poema incompleto. Obras de cámara para instrumentos de cuerda y piano, de Fernando Severo Altube
Sobre ¿Y qué es componer?, de Cecilia Pereyra
Un análisis retórico de los primeros tres preludios del L’Art de toucher le clavecin de François Couperin
El presente trabajo se enfoca en el análisis de los primeros tres préludes para clave de François Couperin, extraídos del tratado L’Art de toucher le clavecin, publicado en 1716. Podemos entender este corpus no solo como un tratado de técnica interpretativa, sino también como un ejemplo de composición y un compendio de cómo transmitir con la música diferentes afectos y tomar el lugar de diversos oradores. Utilizando las herramientas de la retórica propias de ese período, buscamos explorar aspectos compositivos de las piezas para encontrar en cada una los afectos predominantes que el compositor pudo haber buscado transmitir al oyente. Además, nos aventuramos a identificar qué orador de la época podría haber coincidido con el carácter y el contenido afectivo de cada pieza. Este trabajo se enmarca dentro de la investigación "Las flautas históricas y sus repertorios: Problemáticas estéticas de la práctica de la música antigua en el presente", dirigida por el Dr. Gabriel Pérsico. Constituye parte de mi contribución a este grupo de investigación durante mi período con la beca EVC-CIN 2022/2023.
As tabelas harmônicas do “Libro Terzo” para teorba de Kapsberger
O presente artigo aborda a figura de Johann Kapsberger, virtuose de instrumentos de cordas dedilhadas, que viveu aproximadamente entre c. 1580 e 1651. Uma parte substancial de suas publicações é dedicada à teorba, um instrumento grave da família dos alaúdes, muito popular na transição entre os séculos XVI e XVII. Esta produção corresponde a uma das maiores coleções musicais dedicadas a este instrumento, constituindo, portanto, em um marco de referencial para a compreensão de suas possibilidades musicais. Um exemplo proeminente desse legado é o “Libro Terzo D’intavolatura Di Chitarone” de 1626, que inclui diversas danças, toccatas e tabelas. As tabelas apresentadas neste trabalho destacam-se por sua singularidade, não sendo encontradas em outras obras de contemporâneos de Kapsberger que também compuseram para teorba, como Castaldi (c. 1580 – 1649) e Piccinini (c. 1566 – 1638). Este estudo tem como objetivo contextualizar essas tabelas por meio da comparação com tratados dos séculos XVI e XVII voltados para instrumentos de cordas dedilhadas. Além disso, buscaremos explorar as interconexões entre essas tabelas, o baixo contínuo, o sistema de cifras para a guitarra barroca e sua aplicação no repertório do “Nobile Alemano”. Isso, por sua vez, contribui para a hipótese de que as mudanças na valorização da música concebida a partir de uma visão vertical, proposta pela harmonia, em detrimento de uma concepção horizontal prevista pelo contraponto, têm suas raízes para além da seconda prattica, camerata florentina, ópera e recitativo. Essas raízes estão ligadas, sobretudo, à natureza dos instrumentos de cordas dedilhadas, exemplarmente representada e desenvolvida na obra de Kapsberger.
En el 2023 retomé un proyecto de investigación que comencé cuando era estudiante en los Países Bajos, en aquel entonces me parecía relevante lo que encontraba, lo que podía decir. Durante la pandemia reabrí una carpeta llamada Signor Ignazio, un recuento de información sobre dos músicos que florecieron en Italia a comienzos del siglo dieciocho con el mismo nombre: Ignazio Sieber (1688-1761) & Ignatio Rion (fl.1704-1734). En el encierro pensaba y planificaba mi próximo salto, incluso divagué con la idea de hacer un doctorado en Europa. La carpeta me ayudó a reflexionar y razonar, pavimentando un espacio del pasado con vísperas de futuro. Revisar esos párrafos de una vida anterior me forzaron a valorar quién he sido y quién puedo ser en mis intentos de aprendizaje. Hoy en modo espiral y contemplativo presento estas páginas, un ciclo de ideas atemporales en pleno debate ‘still-life’ aún con vida.
Retórica y significado. Análisis de los Préludes en Mib mayor, de L’Art de Préluder, J. M. Hotteterre, París 1719
La siguiente presentación se originó en un trabajo de investigación más amplio que abarcó a todos los preludios para flauta travesera de L’ Art de Préluder de J. M. Hotteterre, realizado en el equipo de investigación que co-dirijo junto con la Dra. Mônica Lucas (USP, Brasil), radicado en el Departamento de Artes Musicales (DAMus) de la Universidad Nacional de las Artes. La investigación procedió a contextualizar históricamente la aparición del tratado y sus posibles destinatarios. Se estudiaron las fuentes más relevantes referidas a la retórica en Francia. Se procedió a analizar cada uno de los preludios utilizando herramientas retóricas y una graficación adecuada. Se procedió a grabar cada uno de los preludios destinados a la flauta travesera y los dos preludios con bajo continuo que figuran al final del tratado con un instrumento réplica de un original Hotteterre. Exponemos aquí el análisis de los tres preludios en Mib mayor, destacando inferencias semánticas útiles para la praxis interpretativa.
Dossier - XIV Encuentro de Investigadores en Poética Musical de los siglos XVI, XVII y XVIII
A Construção Discursiva de D. Buxtehude: Análise das figuras de retórica nas três árias da Cantata Ad Manus (BuxWV 75/3)
A musica poetica se apresenta como um novo entendimento musical presente nas regiões reformadas luteranas entre os séculos XVI e XVIII. A então nova maneira de pensar a música buscava relacionar, de forma sistemática, aspectos da disciplina retórica com o ato composicional. Este artigo procura evidenciar como tais ideais e sistemas se inserem concretamente no fazer musical. Para isso, analisaremos a construção da cantata Ad Manus (75/3) de Dieterich Buxtehude. Nessa análise, nos ocuparemos em evidenciar o destaque do texto como o fio condutor para a construção discursiva de toda a cantata. Na análise de trechos musicais das três árias da obra, observaremos, principalmente, o uso das figuras de retórica musical e a sua relação com o texto cantado. Ao fim, buscamos concluir e salientar que a construção discursiva da cantata Ad Manus é um perceptível exemplo da maneira como os ideais retóricos, teológicos e musicais presentes nos tratados da musica poetica se apresentam na composição musical.
A Biblioteca Musical de Johann Adam Hiller (1768)
A busca pelo acúmulo do conhecimento, por meio da modalidade escrita, atravessou a história do Ocidente sob o registro em diversos suportes, como o pergaminho e o papel, seja em rolo seja em códice (tanto manuscritos quanto impressos). As construções de sentido inscritas no formato livro nas diferentes áreas do saber pavimentaram o desenvolvimento das Artes e das Ciências desde a Antiguidade até dias atuais. Nota-se, no entanto, nessa mesma conjuntura, o anseio por uma biblioteca que reuniria todos os saberes e todos os livros já escritos – o ideal da biblioteca perfeita. Esse princípio, já pretendido por Alexandre Magno e alinhado e mediado posteriormente pelo modelo ciceroniano do Orador Perfeito – emulado por autores do medievo ao século XVIII (de Jacobus Leodiensis a Johann Mattheson) –, foi recuperado por pensadores setecentistas na constituição do conceito da Biblioteca Perfeita. Neste texto, discorreremos sobre as obras de música prática apresentadas por Johann Adam Hiller (1728-1804) em seu Esboço crítico para uma biblioteca musical (1768).
Música sob medida: a influência da dinâmica entre compositores e cantores na criação musical no século XVIII
O repertório canônico operístico atual se apresenta, geralmente, como uma herança cultural do passado cultivada no presente, à qual os cantores de hoje necessitam se adaptar. No início do século XVIII, no entanto, quando o gênero se encontrava em pleno fervor criativo na Itália (e começava a se afirmar como um produto de exportação) a música era, como se sabe, composta especialmente para os cantores selecionados. Apesar dessa aparente flexibilidade, a relação entre cantores e compositores nem sempre eram alheias a tensões causadas pela ideia de que cada um fazia da sua arte – sobretudo numa época em que a ornamentação e a improvisação estavam na ordem do dia. Quem era o verdadeiro criador da peça? O compositor ou o intérprete? Essa relação, não raro conflituosa, é também retratada nas sátiras e paródias das “óperas sobre ópera” (ou meta-óperas), espécie de sub-gênero muito popular durante o século XVIII. Uma das grandes vantagens da análise dessas sátiras meta-operísticas é que estas fornecem, em forma de ironia, um olhar detalhado sobre certas práticas da criação musical da época (assim como das relações profissionais e pessoais entre os seus vários sujeitos) que raramente são cobertas pelas fontes tradicionais da historiografia musical.
Solfeggio, Partimento e Marches d’Harmonie: O aprendizado da teoria musical entre os séculos XVIII e XIX de Nápoles a Paris
Por muito tempo predominou a visão de Carl Dahlhaus de que a partir do século XVIII “nenhuma teoria musical italiana teve condições de exercer qualquer influência para além dos Alpes, com exceção dos tratados especulativos de Giuseppe Tartini e dos livros eruditos de Padre Martini”. Entretanto, tal afirmação não encontra respaldo no largo corpus de fontes relativas ao ensino da composição musical no século XIX, especialmente na França (solfège, accompagnement, harmonie pratique, contrepoint e marches d’harmonie). Assim, apresentaremos um panorama do ensino do contraponto prático (solfeggio, partimento e contraponto escrito) em Nápoles no século XVIII, para então traçar sua influência no ensino profissionalizante da Paris oitocentista, principalmente no Conservatoire, mas também nas Maîtrises. Pautando-se em diversas fontes primárias, esperamos evidenciar que o ensino do que hoje chamamos de “disciplinas teóricas” fazia parte do domínio da música prática. Além disso, explicitaremos que, embora desafiador ao pesquisador moderno, o estudo dessas fontes pode trazer reflexões significativas para a didática musical nos dias de hoje.
Adriaen Willaert e o exórdio imitativo: uso pedagógico em ricercares ou predileção por um estilo consolidado?
O surgimento do ricercare polifônico em meados do século XVI é marcado pela publicação da coletânea Musica nova accommodata..., em 1540, composta por obras de Willaert e outros. Os ricercares do autor, mesmo desprovidos de texto, apresentam estrutura similar à de motetos imitativos do período de Josquin e mesmo do próprio Willaert, em um período criativo precoce. Para apontar tais relações, partimos de um processo iniciado em nossos trabalhos anteriores, com abordagens analíticas para a avaliação da estrutura polifônica e textual em exórdios de motetos a quatro vozes de Palestrina, aplicando-o ao conjunto de motetos a quatro vozes de Willaert impressos em 1539, um ano antes da publicação de seus ricercares em quatro partes, portanto. Desta forma, pudemos identificar exórdios com imitações ‘interduo’ (um duo imitando o outro) estritas, que remontam aos primeiros manuscritos atribuídos ao autor. A cronologia de seus motetos, contudo, indica uma tendência progressiva à flexibilização deste esquema estrito, ao conjugar imitações melódicas ‘intraduo’ (em cada um dos duos) de forma engenhosamente dissimilar no exórdio. Neste trabalho, demonstramos que ricercares de Willaert de 1540 vieram a ser impressos por seu caráter pedagógico, diferentemente de seus motetos com exórdio imitativo impressos em 1539, selecionados por uma provável predileção editorial, neste caso.
Les cantantes líriques profesionales en Argentina: relevamiento y situación a octubre de 2020
Este trabajo presenta los resultados del «relevamiento LAP», realizado en septiembre de 2020 a más de 700 cantantes líriques profesionales residentes en Argentina. Los resultados presentan información detallada y hasta ahora no relevada sobre la distribución geográfica de les cantantes, sus características etarias, su formación, su trabajo como docentes, su trabajo en coros y como solistas (tanto en formatos tradicionales como nuevos), su inserción en otras áreas del mercado laboral, la autopercepción de sus propias tareas y sus necesidades en relación con la actividad. Este contenido va acompañado de una descripción técnica del cuestionario, su motivación y su realización, así como de algunas reflexiones sobre los resultados, con especial atención a posibles áreas de investigación futura.
Música antigua: concepto e historia de una práctica
Este artículo se propone brindar un panorama general sobre la práctica de la llamada “música antigua” desde sus orígenes en algunos países europeos, su expansión hacia América, los diferentes enfoques sobre su significado como una práctica artística, una visión de la historia de la música durante la modernidad y la posmodernidad, y un acercamiento a los debates que generaron su práctica como “subcultura” dentro del campo de la música académica.
Julio era bueno. Esa es la conclusión a la que habría llegado cualquier persona que, sin haberlo conocido, hubiera participado en los múltiples homenajes que se realizaron a Julio Viera, con motivo de su fallecimiento en abril último. Las sentidas palabras de los oradores y las conversaciones entre los asistentes, persistentemente apuntaron a estas dos líneas de significación: buen compositor, buena persona. Y es a ambos aspectos a los que quiero referirme aquí. No pretende este artículo esbozar una aproximación crítica a su obra, ni discutir pormenores de su biografía personal y artística. Estas líneas parten de un lugar menos ambicioso: intentan presentar una visión personal sobre algunos momentos que compartí con Julio, y a partir del recuerdo, desentrañar qué tuvo nuestro encuentro de significativo y por qué su partida me convocó —a mí y seguramente a otros que también recibieron su influencia— a reflexionar nuevamente sobre la ética de la producción artística y en particular de la composición musical.
Ritmopeia: a poesia da organização rítmica segundo Johann Mattheson (1681-1764)
O grande compositor, lexicógrafo, crítico musical e teórico alemão Johann Mattheson (1681-1764) afirmou, no seu tratado Der Volkommene Cappelmeister (1739), que o poder do Rhythmus (padrões de pés métricos) na organização da melodia é incomensurável, e que para os compositores o estudo e o conhecimento dos pés métricos são tão importantes quanto os da ciência melódica. Esse padrão, que atribui à organização rítmica um significado poético, é denominado ritmopeia. Segundo Mattheson, o significado dos pés métricos (Fusse) na arte poética encontra nos Rhythmi a sua equivalência na arte dos sons, por isso são nomeados “pés sonoros” (Klang-Fusse), porque os intervalos do canto (melodia) estão intrinsecamente relacionados ao ritmo. Mattheson estipulou 26 pés métricos ou sonoros. Além da transcrição dos seus valores em notação musical, ele forneceu, em vários casos, a origem histórica, o caráter, a adequação a um determinado tipo musical e até mesmo conselhos para a performance, demonstrando, assim, o papel fulcral da organização rítmica na composição musical.
Dossier - XIII Encuentro de Investigadores en Poética Musical de los siglos XVI, XVII y XVIII - Vestigios del gusto (segunda entrega)
A história da clarineta oitocentista no Brasil através dos periódicos
Esse artigo é um recorte de uma pesquisa de doutorado, ainda em andamento, que contempla a busca por toda e qualquer informação a respeito da clarineta no ambiente musical do Rio de Janeiro entre os anos de 1808 e 1855. Esse período compreende o início da história da clarineta no Brasil culminando na criação da sua primeira cátedra no Imperial Conservatório de Música do Rio de Janeiro, em 1855. Esse período foi de grande transformação social e de verdadeira consolidação cultural do Rio de Janeiro, cidade considerada como o principal ponto de partida e modelo da vida cultural brasileira. Com esse objetivo, foram selecionados somente os periódicos publicados no Rio de Janeiro e que atendem o período compreendido pela pesquisa. Alguns destes periódicos circularam em um período que ultrapassou o ano de 1855. No entanto, só foram averiguadas as publicações realizadas até o ano limite.
O decoro nas danças em Orchesographie, de Thoinot Arbeau (1589)
No início do século XVIII, pouco mais de um século após o nascimento da ópera, críticos, teóricos e entusiastas já apregoavam a sua decadência. Segundo eles, a responsabilidade desse estado de coisas recaía sobre os cantores, que passaram a desrespeitar o conteúdo textual das obras ao introduzir, em meio às performances, uma série de ornamentações fora de contexto com o único intuito de exibir suas habilidades vocais. Isso deslocou o foco do texto para a performance operando-se, assim, uma transformação de gosto no gênero. Aqueles que continuavam fiéis aos preceitos do passado foram chamados de “antigos”, defensores de um estilo descrito como expressivo, despojado e profundo, enquanto os partidários do novo estilo floreado em ascensão foram chamados de “modernos”. A crescente popularidade da ópera nessa época fez com que se proliferassem também as primeiras sátiras e paródias musicais do gênero, com a particularidade de terem sido produzidas justamente por seus próprios autores e protagonistas (compositores, libretistas e mesmo cantores) e que retratam, dissimuladas sob o véu da comédia, os bastidores do fazer operístico. A querela entre “antigos” e “modernos” também se encontra representada nas sátiras, lançando, com bom humor e vivacidade, uma nova luz sobre as práticas musicais da época.
“Antigos” versus “modernos”: a disputa das escolas de canto do século XVIII vista através das sátiras musicais
Aspectos do gosto em Méthode facile pour la viole d’amour (1777), de Louis Toussaint Milandre
Com o estudo aprofundado da tratadística do século XVIII, podemos entender diversos aspectos da música daquele tempo. Nossa compreensão pode se estender além de particularidades técnicas e podemos compreender, também, aspectos acerca do gosto. Sabe-se que, na segunda metade do século XVIII, o estilo francês consolidado por Jean-Baptiste Lully (1632-1687) estava em declínio, principalmente após a querela dos bufões, ocorrida entre os anos de 1752 e 1754. Em Méthode facile pour la viole d’amour (1777), de Louis Milandre, um dos mais importantes tratados de viola d’amore do século XVIII, podemos observar as transformações desse gosto, principalmente quando comparado com outras obras com o mesmo propósito. Sendo assim, o presente artigo pretende comparar o tratado de Milandre com obras anteriores para violino, como Méthode facile pour apprendre à jouer du violon (1712) de Montéclair, L’école d’Orphée (1738) de Corrette e Principes du Violon (1761) de L’abbé le fils, visto que não há outros tratados de viola d’amore. Ao comparar as obras, poderemos observar as transformações do gosto francês, refletindo acerca de quais aspectos do gosto se mantiveram e quais caíram em desuso ao longo do século XVIII.
Convenciones operísticas y escenas típicas en L’Eritrea (1652) de Giovanni Faustini y Francesco Cavalli
L’Eritrea (1652) marca el último capítulo de la colaboración, a través de diez años, entre Giovanni Faustini (1615-1651) y Francesco Cavalli (1606-1676), que comenzó en 1642 en el Teatro di San Cassiano y continuó luego con otros nueve drammi per musica representados en Venecia. Las óperas de Faustini y Cavalli constituyen el núcleo predominante de la producción operística veneciana durante la década de 1642 a 1652. La asociación entre el libretista y el compositor fue decisiva para la codificación y consolidación de las principales tendencias estilísticas de la ópera veneciana de mediados del siglo XVII, mediante la producción de argumentos que proponen una estructura canónica: el público veneciano de 1652 podía, de hecho, reconocer y apreciar en L’Eritrea una serie de convenciones consolidadas y escenas musicales típicas, como la locura y el disfraz. A partir de criterios filológicos y dramatúrgicos, este artículo se propone interpretar L’Eritrea con el fin de analizar la técnica de escritura del libretista y del compositor en el contexto de la ópera veneciana del siglo XVII.
Sobre El doble toque did´ll y cómo lograrlo, de Gabriel Pérsico
Sobre La perspectiva del tutti. Lo que los músicos de orquesta necesitan del director, de Julian Ehrhorn
Considerações sobre a História da Música em Johann Mattheson (1739)
No presente artigo, investigaremos a inconsistência de informações fornecida no texto sobre a história da música apresentado pelo músico, diplomata e homem de letras Johann Mattheson, que consta no capítulo 4 da primeira parte de seu tratado Der vollkommene Capellmeister [“O mestre-de-capela perfeito”, 1739]. Traçaremos o caminho destas informações, investigando os escritos que serviram de base direta ou indireta para a composição do texto de Mattheson, e a maneira como essas informações foram tratadas em escritos posteriores a ele. Finalmente, defenderemos o texto de Mattheson das críticas a respeito de sua inexatidão, propondo, em vez de uma leitura de viés historicista, uma perspectiva de orientação retórica para seu entendimento.